En el marco de su 29ª edición, el Tour de Cine Francés en México y Punto Zero, el estudio creativo enfocado en el arte y la cultura cofundado por el actor y emprendedor Diego Salazar Lira, sostuvieron una conversación estratégica que abordó el cine no solo como entretenimiento, sino como una herramienta vital de diplomacia cultural y resiliencia en la era digital.

La entrevista, conducida por Diego Salazar, se centró en la filosofía de gestión detrás de uno de los festivales itinerantes más importantes de Iberoamérica, destacando el rol de México como un punto clave para el intercambio cultural transatlántico.

La batalla por la atención: liderazgo y estrategia cultural

La vocera del Tour, Sofía Llorente, ofreció perspectivas muy relevantes sobre la dificultad inherente de la gestión cultural, destacando que el mayor reto de la difusión cultural actualmente es la lucha por la atención del público. Llorente afirmó que el éxito de cualquier evento cultural nunca debe darse por sentado, y que el reto es lograr que la audiencia “te escoja” intencionalmente sobre las múltiples distracciones y otras ofertas disponibles.

Este desafío se combate con una estrategia clara: la selección anual se limita a un “número mágico de siete” películas para no abrumar al público y garantizar un alcance efectivo. Llorente también desmintió el mito de que al público mexicano solo le interesa el cine blockbuster americano, señalando que los 29 años de éxito del Tour demuestran el apetito real del espectador por la diversidad y otras cinematografías.

Curaduría con propósito: reflejo de la diversidad francesa

El análisis se adentró en la filosofía de la curaduría, destacando que el Tour utiliza su plataforma para el diálogo cultural. La selección busca un equilibrio entre directores consagrados y nuevas voces, asegurando que las películas sean comerciales, accesibles y, al mismo tiempo, reflejen temas de actualidad.

Llorente destacó que el hilo conductor de la selección de este año es la fuerte presencia de protagonistas femeninos y una activa representación de la diversidad (incluyendo historias de discapacidad y personas mayores). Esta elección, según Llorente, es un reflejo directo de los temas sociales que están preocupando e interesando a los realizadores franceses contemporáneos, lo que convierte al Tour en un ejercicio constante de diplomacia cultural. Adicionalmente, la conversación subrayó la solidez histórica del vínculo, enmarcando al festival en la celebración de los 200 años de relaciones diplomáticas entre México y Francia.

La Última Frontera: La Defensa del Cine Presencial

Diego Salazar Lira introdujo la disyuntiva del cine presencial frente al streaming, a lo cual Lorente respondió que el Tour se posiciona como un defensor de la experiencia colectiva e inmersiva. Llorente y Salazar coincidieron en que la indisponibilidad de las películas del Tour en plataformas de streaming no es casual; es una estrategia deliberada que defiende la atención plena y combate la dilución del contenido que ocurre con las plataformas digitales. Llorente sostuvo que el cine presencial es la única forma de asegurar que el espectador acuda intencionalmente y viva la obra de principio a fin, sin las distracciones de la vida cotidiana. La conversación concluyó que esta defensa del formato es la clave para la resiliencia y el legado del Tour, cuya misión de llevar la cultura francesa a más personas se ve reflejada en su expansión a Centroamérica, con 22 ediciones en la región.

De cara al 30º Aniversario, Llorente proyecta la posibilidad de una muestra retrospectiva que reviva las películas más queridas y destacadas que, al no haber pasado por streaming, quedaron como joyas únicas para la audiencia.

Detalles para vivir esta experiencia

Consulta la cartelera del Tour de Cine Francés en la página oficial, en la cartelera de Cinépolis y en la cartelera de la Cineteca Nacional. Hasta el 15 de octubre de 2025.

Fotografía: Grecia Rojas

Bajo la Dirección de Ximena Vargas, la Producción y Dramaturgia original de Claudia Berry, y con la Producción Asociada de Punto Zero a cargo de Diego Salazar Lira y Frida Martínez, este aclamado musical regresa con su segunda temporada para celebrar el Día de Muertos a través de una narrativa fresca, emocionante y llena de colores — una puesta en escena pensada para disfrutar en familia.

El Día de Muertos, una de las tradiciones más significativas de la cultura mexicana, nos remite a nuestras raíces prehispánicas y nos permite honrar a quienes ya partieron desde la alegría, el recuerdo y la celebración. Desde ese universo mágico, La Travesía de la Calaverita de Azúcar nos invita a adentrarnos en una historia original que combina música, humor y emoción para celebrar la vida, la amistad y la esperanza.

La obra narra la conmovedora aventura de Juana, una valiente calaverita de azúcar que emprende una travesía por el Mictlán para desafiar las antiguas reglas que injustamente prohíben la entrada a su querido amigo, Diego, una calaverita de chocolate.

Todo comienza cuando la Catrina, movida por la nostalgia, les da vida con su canto mágico. Junto con Paco, un muerto alegre que visita su ofrenda, descubrirán los secretos del más allá y los retos que Juana deberá superar en su camino por el Pueblo del Papel Picado, el Pueblo de los Licores y el Pueblo de las Calacas y Flores. Su viaje no solo busca romper las reglas del más allá, sino también cuestionar las injusticias del mundo de los vivos.

El eje de esta puesta en escena es la inclusión: La calaverita de azúcar simboliza la belleza hegemónica, mientras que la de chocolate es una metáfora del racismo que sigue atravesando a la sociedad mexicana. Desde una narrativa sensible y divertida, la obra reflexiona sobre temas como la discriminación, la explotación laboral y la opresión, representando en el Mictlán las mismas luchas sociales que vivimos en la Tierra.

Fotografía: Víctor Kuri

Todas las canciones son originales y cantadas en vivo, con música de Víctor Kuri y Claudia Berry, e interpretadas con coreografías que llenan el escenario de energía. A lo largo de siete números musicales, el público viaja por distintos géneros: pop, ranchero, banda, hip hop, baladas y una coreografía de ballet, que crean una atmósfera divertida y recuerdan al espectador el valor de la resiliencia y la empatía.

El elenco está conformado por Claudia Berry, Paola Zerone, Alberto Araiza, Hazza, Grecia Loredo, Emmanuel Lazos y Orlando Luna, artistas con amplia trayectoria en teatro musical que garantizan una experiencia emotiva y llena de talento.

La Travesía de la Calaverita de Azúcar es un musical que honra nuestras tradiciones mientras invita a reflexionar sobre la igualdad, la empatía y la fuerza de la comunidad. Ideal para disfrutar en familia y redescubrir la magia del Día de Muertos.

Detalles para vivir esta experiencia

Funciones: Todos los domingos del 12 de octubre al 9 de noviembre, a la 1:00 p.m.
📍 El Círculo Teatral, Veracruz 107, Condesa, Ciudad de México.
🎟️ Adquiere tus boletos en 👉 Boletópolis

El Abierto de Diseño CDMX regresa y se expande por el Bosque de Chapultepec del 26 de septiembre al 5 de octubre, transformando este espacio en un recorrido vivo bajo el concepto de “Maleza. Diseño en resistencia.”

El festival reunirá a más de 100 diseñadores en 11 sedes del Bosque de Chapultepec, entre ellas el Centro de Cultura Digital, el Papalote Museo del Niño, el Museo Tamayo, la Cineteca Nacional Chapultepec, la Casa del Lago y el Lago Algo. Esta edición propone un recorrido donde cada parada es un ecosistema creativo distinto. Desde 2013, este festival internacional ha convertido a la Ciudad de México en un laboratorio creativo abierto a la comunidad, invitando a reflexionar sobre el diseño como una fuerza capaz de mejorar la vida cotidiana y cuestionar lo establecido.

La experiencia no se limita a contemplar piezas, sino a vivir el diseño en todas sus formas: arquitectura, comunicación visual, espacio público, sostenibilidad, mobiliario y mucho más.

Edición 2025: “Maleza. Diseño en Resistencia.”

Este año la edición estará curada por Taina Campos y Andrea Soler, de Diseña Colectiva, y por Mara Soler y Daniela Villanueva, de Las Flaminguettes. Las cuatro aportan una mirada multidisciplinaria que refleja su experiencia como mujeres, líderes y madres, y que desafía lo establecido a través del diseño, el arte y la experimentación.

Maleza simboliza la vida que crece entre el concreto, desafía el orden y transforma su entorno. Con esta imagen, el festival celebra los diseños que surgen desde los márgenes, prosperan en la adversidad y sostienen lo cotidiano.

“El Abierto de Diseño CDMX 2025 es una invitación a pensar el diseño como una fuerza viva que se abre paso como la maleza: desafiante, inesperada y necesaria”, expresaron Ricardo Lozano y Joanna Ruíz Galindo, codirectores del festival.

La exposición central se organiza en cuatro parcelas temáticas, cada una funcionando como un ecosistema independiente:

• Fertilidad (Centro de Cultura Digital): explora ciclos de deseo, alimentación y placer.

• Brotes (Papalote Museo del Niño): celebra el diseño para las infancias, creando futuros a partir de la imaginación y el juego.

• Ecosistemas (Lago Algo): aborda prácticas sostenibles y territoriales, demostrando el poder del diseño para mejorar el entorno de forma consciente y comunitaria.

• Polinización (Cineteca Nacional Chapultepec): propone un cruce de disciplinas entre el diseño, el arte y la imagen, generando experiencias visuales que expanden la mirada del espectador.

Cada parcela integra instalaciones, talleres y exposiciones que permiten experimentar el diseño en acción, mostrando cómo transforma la vida cotidiana y genera nuevas formas de habitar los espacios.

Lo que no te puedes perder: exposiciones, talleres y cine

Además de las cuatro parcelas temáticas, el Abierto contará con seis pabellones con propuestas de instituciones, colectivos y estudios independientes. Su programa público incluirá talleres, charlas y un ciclo de cine en la Cineteca Nacional Chapultepec, con la participación de creativos internacionales como Julia Watson, Edel Rodríguez y Benjamin Dillenburger, junto con diseñadores nacionales.

Entre las colaboraciones especiales se encuentra Comex, que presentará su ColorLife Trends 2026 en el Centro de Cultura Digital; y What Design Can Do México GNP 2025, que traerá a la diseñadora francesa Camille Walala con una intervención monumental en la terraza del Papalote Museo del Niño.

El festival no busca sólo mostrar resultados, sino también procesos, dudas, intentos, fracasos y aprendizajes porque el diseño es una manera de imaginar cómo queremos vivir, convivir y transformar aquello que parece inamovible.

Consulta el programa completo en abiertocdmx.com y sigue al festival en redes sociales:
Instagram: @abiertocdmx
Facebook: AbiertoDeDisenoCDMX
X/Twitter: @abierto_cdmx

¡No te pierdas la celebración del diseño que florece en los márgenes!
#ElAbierto2025 #Maleza

Desde hace casi tres décadas, el Tour de Cine Francés ha construido un puente cinematográfico entre Francia y México que se fortalece con cada edición.

En su vigésima novena edición, este festival itinerante regresa del 11 de septiembre al 15 de octubre con una selección de siete películas francesas contemporáneas que abarcan géneros como el drama, la comedia romántica, el thriller y el road movie, todas con directores y elencos de primer nivel.

Este año llegará a más de 70 ciudades, manteniéndose como el único festival de cine que recorre todos los estados de la República. Su doble circuito de exhibición, a través de Cinépolis y espacios culturales como la Cineteca Nacional o el Cineforo FICG en Guadalajara, asegura que las películas estén al alcance de públicos de todo el país, con funciones subtituladas y precios accesibles.

Un festival que cruza fronteras

Fundado por Nueva Era Films, Cinépolis, la Embajada de Francia en México, el Instituto Francés de América Latina (IFAL) y la Federación de Alianzas Francesas, el Tour de Cine Francés ha sido desde 1996 un punto de encuentro entre dos culturas a través del cine.

Desde 2022, también se presenta en Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Honduras, Nicaragua y Panamá, consolidándose como un evento compartido a nivel regional.

“No hay un festival dedicado al cine francés que sea tan exitoso en números como este”, destacó Leopoldo Jiménez, director general de Nueva Era Films.

México es actualmente el tercer país con mayor número de espectadores de cine francés en el mundo, sólo detrás de China y Estados Unidos. Este dato, además de reflejar el alcance del festival en nuestro país, también evidencia el vínculo que ha generado entre una comunidad que espera con entusiasmo su llegada cada septiembre.

¿Qué películas puedo ver en el Tour de Cine Francés 2025?

La selección oficial de este año reúne a figuras reconocidas y nuevas voces del cine francés contemporáneo. Los títulos exploran temas como la justicia, el deseo, los vínculos afectivos, la memoria y el paso del tiempo:

• Cuando llega el otoño (François Ozon, 2024): Una abuela prepara la llegada de su nieto para las vacaciones, pero un trágico accidente provocado por unas setas silvestres desata una serie de secretos y sospechas.

• El acusado (Daniel Auteuil, 2024): Un abogado, Jean Monier, acepta un caso aparentemente perdido, enfrentando a un dilema moral que podría cambiar su vida en medio de un emocionante juicio.

• La maestra Violet (Éric Besnard, 2024): Ambientada a finales del siglo XIX, narra la historia de una profesora enviada al campo que lucha por convencer a los pobladores de enviar a sus hijos a la escuela.

• Los colores del tiempo (Cédric Klapisch, 2025): Una familia hereda una antigua casa abandonada y, al explorarla, descubre misteriosos secretos del pasado relacionados con una antepasada.

• Los lazos que nos unen (Carine Tardieu, 2025): : Sandra, una mujer independiente y solitaria, encuentra refugio inesperadamente en una familia de sus vecinos, redescubriendo el valor de la vida en compañía.

• Rodrigo enamorado (Johann Dionnet, 2025): Durante el Festival de Aviñón, un actor miente para conquistar a una mujer, pero pronto su engaño se sale de control y se vuelve inmanejable.

• Un toque de amor (Maël Piriou, 2025): Mélanie, tras ser diagnosticada con una enfermedad incurable, emprende un viaje con su amigo Benjamin para explorar su sexualidad de forma inesperada..

Circuitos de exhibición: Cinépolis y espacios culturales

En esta edición, el festival se proyectará en dos circuitos de exhibición:

Circuito Cinépolis

El Circuito presentado por Sala de Arte Cinépolis se extenderá por 174 salas en 69 ciudades de todo el país. Para facilitar el acceso, contará con un cinebono de $240 pesos, que incluye cuatro boletos para salas tradicionales o dos boletos para salas VIP.

Este cinebono podrá adquirirse en las taquillas de los conjuntos seleccionados y las entradas estarán disponibles a partir del 26 de agosto de 2025.

Circuito Cultural

El Circuito Cultural podrá disfrutarse en recinto Cineteca Nacional, el Cineforo y la Cineteca FICG Guadalajara. Después, recorrerá más de 30 salas en 17 ciudades adicionales, ampliando el alcance del festival.

Promociones especiales: gana un año de cine gratis

Los socios de Club Cinépolis que vean las siete películas del Tour y participen en una trivia podrán ganar premios especiales, entre ellos un año de cine, palomitas y refresco gratis. El nombre del ganador se anunciará al concluir el festival.

Más que un festival, el 29º Tour de Cine Francés es una cita con el cine que emociona, cuestiona y transforma.

No te pierdas de esta experiencia y consulta la cartelera en www.tourdecinefrances.com.
Sigue su programación en redes sociales para no perderte ningún detalle.

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#TenemosUnaCita #TourPorTusEmociones

En el corazón del Centro Histórico, a unos pasos del Zócalo, el Museo del Cacao y Chocolate (Choco-Story Zócalo) abre sus puertas para celebrar el legado de este tesoro ancestral. Creado por el empresario mexicano Agustín Otegui y su socio belga Eddy Van Velle, este espacio ofrece una experiencia interactiva y sensorial dentro de un edificio colonial renovado.

El nuevo recinto forma parte de la red internacional Choco-Story, con sedes en Bélgica, Francia, República Checa, Italia y, en México, en Uxmal, Valladolid y Playa del Carmen.

Durante la restauración del inmueble, en colaboración con el INAH, se encontraron vestigios del Huey Tzompantli de Tenochtitlán, un hallazgo arqueológico que convierte al museo en un espacio único en la CDMX.

¿Qué hacer en el Museo?

El museo te invita a una experiencia multisensorial y educativa para toda la familia. A través de seis salas temáticas, te conviertes en protagonista de tu propio recorrido, explorando la historia del cacao, desde su papel como elemento sagrado en las civilizaciones prehispánicas hasta su lugar como ícono en la gastronomía internacional.

El espacio cuenta con audioguías en cinco idiomas: inglés, español, francés y alemán; juegos interactivos y degustaciones que te permitirán explorar el cacao a través de todos los sentidos. Además, la exposición está diseñada para evolucionar con el tiempo, adaptando nuevas experiencias de las otras sedes internacionales de la red Choco-Story.

Un proyecto de gran impacto cultural y arqueológico

Más allá de la propuesta sensorial, Choco Story Zócalo tiene un valor histórico excepcional. El inmueble, restaurado a lo largo de 13 años en conjunto con el INAH, resguarda parte del Huey Tzompantli de Tenochtitlán, testimonio único de la historia mexica.

“Este proyecto reafirma nuestro compromiso con la preservación del patrimonio cultural y con la historia del cacao”, señaló Agustín Otegui. La ventana arqueológica aún no está abierta al público, por lo que su resguardo subraya la relevancia de este descubrimiento.

Con esta propuesta, el Museo del Cacao y el Chocolate se posiciona como un nuevo referente cultural de la capital, invitando a locales y visitantes a vivir la riqueza histórica y sensorial de este ingrediente que marcó a México y al mundo.

No te quedes sin la oportunidad de vivir esta experiencia en compañía de tus seres queridos.

Detalles para disfrutar Choco Story Zócalo

📍Ubicación: República de Guatemala 24, Centro Histórico, Ciudad de México.

⏰Horarios: Lunes a domingo de 10 a 18 h. El último acceso es a las 17:00.

Entradas disponibles aquí

Para más información visita o sigue sus redes sociales en Instagram: @chocostory.zocalo

Materialists finalmente llegó a México sin campaña masiva, sin sinopsis viral, sin el boost promocional que esperarías de un estreno con Pedro Pascal, Dakota Johnson y Chris Evans.

Y sin embargo, conecta.

No por lo que cuenta, sino por lo que activa.

Esta película no construye un vínculo emocional desde cero. Hace algo más inteligente: desbloquea conexiones que ya existen en nosotrxs. Y en ese proceso, revela cómo funciona realmente el marketing cultural en la era post-digital.

El Archivo Emocional Colectivo

Imagínate esto: ves a Pedro Pascal en pantalla y automáticamente piensas “papá Joel”. Dakota Johnson aparece y tu cerebro activa “la era Christian Grey”. Chris Evans entra y algo dentro de ti susurra “Steve Rogers”.

No puedes evitarlo. No es que quieras hacer estas conexiones. Es que ya están ahí, grabadas en años de consumo cultural.

Materialists no presenta personajes; presenta iconos emocionales activando recuerdos. Pedro Pascal llega con su archivo de “papá protector”, Dakota Johnson con su rebeldía sexual, Chris Evans con la nostalgia heroica.

Cada uno funciona como un atajo emocional que el espectador ya tiene mapeado en su memoria cultural.

Materialists no se estrena. Se desbloquea como un recuerdo emocional colectivo.

No vemos esta película por curiosidad. La vemos con expectativas, referencias cruzadas y memoria afectiva. Por eso no se experimenta como una película nueva, sino como una conversación con versiones anteriores de nosotrxs mismxs.

La Generación del Archivo Digital

Los millennials fueron la primera generación en construir identidades digitales completas. Desde Tumblr hasta Pinterest, guardaron, archivaron y compartieron emociones en forma de capturas de pantalla.

Subrayaron diálogos, crearon mood boards, acumularon referencias visuales para “sentirse menos solos”.

Ahora, en Materialists, reconocen el juego: una película que no intenta sorprenderte, sino validarte.

Cómo Funciona el Marketing de Validación Emocional

En este nuevo modelo:

• La narrativa no se impone, se reconoce

• El hype no se construye, se hereda

• La experiencia no es solo visual, es cultural

Esta generación creció construyendo identidades a través de referencias culturales compartidas. Para estas personas, reconocer un patrón emocional es tan satisfactorio como descubrir algo completamente nuevo.

A24: La Fábrica de Identidad Cultural

Dirigida por Celine Song (Past Lives) y producida por Killer Films, Materialists forma parte del ecosistema A24.

Ver una película de A24 ya no es solo consumir cine. Es participar en una estética compartida: una forma de mirar, de sentir, de pertenecer.

A24 convirtió el “cine de autor” en identidad generacional. Sus productos no compiten por atención; compiten por pertenencia cultural.

Ver Past Lives, Everything Everywhere All at Once o Uncut Gems no es solo entretenimiento. Es una declaración de identidad: “Entiendo este tipo de narrativa sofisticada”.

El Deseo Intelectual Como Nuevo Lujo

Materialists opera en un registro específico: el deseo intelectual.

No es la tensión sexual explícita de Fifty Shades ni la acción heroica de Marvel. Es algo más sutil: la elegancia de reconocer referencias, la sofisticación de “entender” sin que te expliquen. El humor es irónico. Las referencias, comunidad. Los millennials no solo consumen cultura, la guardan, la archivan y la comparten en forma de emociones pasadas.

Por Qué Funciona Esta Fórmula

1. Validación Intelectual La audiencia se siente “inteligente” al reconocer las capas de significado

2. Comunidad Implícita Compartir la experiencia confirma pertenencia a un grupo cultural específico

3. Nostalgia Sofisticada No es nostalgia obvia, sino arqueología emocional

Las Implicaciones para las Marcas

Si Materialists nos enseña algo sobre branding contemporáneo, es esto:

Las marcas más efectivas no crean nuevas emociones. Activan emociones existentes.

Tres Lecciones Estratégicas

1. El Marketing Más Poderoso Se Siente, No Se Ve Materialists no “vende” su historia. Presenta una atmósfera que ya entendemos.

2. La Emoción No Se Explica, Se Reconoce Las conexiones más fuertes se basan en referencias compartidas, no en argumentos nuevos.

3. Los Símbolos Vencen a los Productos Pedro Pascal no es un actor interpretando un papel. Es un ícono emocional con historia previa.

El Futuro del Fan Service Emocional

Materialists representa un cambio fundamental en cómo las marcas pueden conectar con audiencias post-digitales.

Ya no se trata de crear algo completamente nuevo, sino de activar inteligentemente lo que ya existe en la memoria colectiva.

Las marcas que entiendan esto — que el verdadero lujo contemporáneo es el reconocimiento, no la novedad — dominarán la próxima década del marketing cultural.

Materialists no se estrena: se desbloquea como un recuerdo emocional colectivo. Y eso, hoy más que nunca, es la narrativa más poderosa.

En un mundo saturado de contenido nuevo, la nostalgia sofisticada se convierte en el nuevo premium.

¿Tu marca está creando nuevas emociones o activando las que ya existen?

Para más análisis sobre tendencias culturales y estrategias de marca generacionales, suscríbete a nuestro newsletter.

La Muestra Internacional Con Perspectiva de Género 2025 (MICGénero Tour 2025 ) anuncia su decimocuarta edición, consolidándose como un referente indispensable en la reflexión sobre género, derechos humanos y justicia social a través del cine.

Se llevará a cabo del 7 de agosto al 11 de septiembre en 13 estados de la República Mexicana, extendiendo sus proyecciones y actividades a espacios culturales, universidades, colectivos y centros comunitarios. En la Ciudad de México, las actividades serán del 28 de agosto al 11 de septiembre.

“Mirar desde el género no es una moda ni una ideología política. El cine es un acto de escucha, resistencia y transformación. Este 2025, la pantalla vuelve a ser territorio para repensarlo todo”, afirmó Victoria Cabrera, directora de MICGénero.

Este año, el festival también retoma su presencia en Buenos Aires, Argentina, tras una pausa de casi cinco años. La selección oficial incluirá 12 largometrajes internacionales y 24 cortometrajes nacionales e internacionales, abordando temáticas urgentes a través de narrativas diversas con enfoque crítico.

Las películas se distribuyen en 12 categorías que exploran problemáticas actuales: Encierros y reclusión, Ecofeminismos, Movilidad humana y migración, Minoridades en foco, Disonancias, Etarismo y relaciones intergeneracionales, VS Media, Infancias y Derechos Humanos, Resiliencia, Cuerpo atlético, Derechos sexuales y reproductivos, y Queer/Cuir y Postporno.

La Ola Negra de Dušan Makavejev

La retrospectiva de este año estará dedicada a Dušan Makavejev, figura clave del cine político y la “ola negra” serbia de los años 60 y 70. Su obra es una crítica feroz al autoritarismo, la represión sexual y los dogmas de la época.

Con apoyo del Ministerio de Cultura de Serbia y la Secretaría de Cultura de México, se proyectarán seis de sus largometrajes más icónicos, como Love Affair (1967), Misterios del organismo (1971) y Coca-Cola Kid (1985). La retrospectiva se complementará con la masterclass: El cine político de Dušan Makavejev: cuerpo, sexualidad y sátira anticapitalista, impartida por Veridiana Martínez Marín.

Cine que comunica, transforma y provoca

El compromiso de MICGénero con el cine nacional y las nuevas narrativas se refleja en la participación de talentos como Berenice Ubeda Alzaga, directora del cortometraje mexicano El límite del cuerpo.

Este cortometraje, recientemente nominado a los Premios Ariel, aborda la maternidad y la doble jornada como profesionista, así como el papel de la mujer en el espacio público y privado.

“MICGénero me parece el espacio perfecto para abrir el diálogo al respecto para todo el público que quiera acercarse a esta realidad desde otra perspectiva mucho más comunitaria, igualitaria, realmente amorosa como lo es la perspectiva de género y los derechos humanos”, destacó Berenice.

Por otro lado, por noveno año consecutivo, el festival presenta “100 horas de activismo”, actividad que promueve el diálogo posterior a las funciones, involucrando a académicos, colectivos y organizaciones sociales.

“Creemos que compartir el tiempo y el espacio para ver una película en colectividad se enriquece cuando se promueve el diálogo y se amplía la experiencia y reflexión”, detalló Victoria Cabrera.

Actividades imperdibles en la CDMX

Además de las proyecciones, el MICGénero Tour 2025 contará con la sección “Memoria y Archivo”, que recupera joyas del cine clásico y de culto, con títulos como Good Sisters (2006) de Sarah Fischer y Solo Sunny (1980) de Konrald Wolf, en colaboración con el Festival de Cine Alemán.

El 29 de agosto, junto con el Goethe Institut Mexiko, se impartirá “Ella me lleva”, una clase pública de salsa dirigida a mujeres y a cualquier persona interesada, cuyo objetivo es desafiar las normas del baile hegemónico y heteropatriarcal, permitiendo que las mujeres exploren el liderazgo en el baile desde la escucha, el respeto mutuo y la expresión libre.

Más allá de una técnica de baile se busca promover un entendimiento más amplio del rol de “llevar” como un acto de diálogo y co-creación.

Para el 4 de agosto, se han programado dos actividades especiales:

• Discosopa: Un evento que busca concientizar sobre el desperdicio de alimentos, combinando cocina, comida y baile.

• Taller “Piratería práctica”: En la Librería U-Tópicas donde se ofrecerá una capacitación sobre prácticas responsables para el uso ético e informado de contenidos digitales.

Durante más de un mes, las películas y actividades del tour dialogarán con públicos diversos y espacios comunitarios, reafirmando que el cine es un acto de escucha, resistencia y transformación.

A partir del 31 de julio podrás consultar la programación completa en el sitio oficial de MICGénero.

Este festival de cine itinerante es el más grande y con mayor proyección en nuestro país y se ha consolidado como una pieza clave para fortalecer el diálogo cultural entre México y Francia.

Como adelanto especial, el Tour presentó el teaser de su nuevo póster oficial, que marca la cuenta regresiva para uno de los eventos cinematográficos más esperados del año.

La selección completa se revelará a partir del 12 de agosto en su sitio web oficial. ¡Mantente al tanto para descubrir todos los títulos que llegarán a tu sala de cine!

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#TenemosUnaCita

El arte tiene el poder único de construir puentes culturales y borrar las fronteras geográficas, y precisamente esta es la esencia que celebra Akari, la nueva exhibición inmersiva presentada por InSpace, en colaboración con el estudio mexicano INTUS.

Arte, luz y tecnología: Una reinterpretación moderna del Japón tradicional

Inspirada en la palabra japonesa “Akari” (明かり), que significa “luz”, esta exhibición lleva al espectador a través de una experiencia multisensorial donde el arte digital, la tecnología avanzada y la cultura japonesa se fusionan para ofrecer una perspectiva contemporánea y fascinante.

Curada por Josué Ibáñez, artista digital mexicano especializado en experiencias inmersivas, Akari busca crear un diálogo visual y sensorial entre México y Japón. Ibáñez destaca:

“Tokio y Ciudad de México comparten una dualidad fascinante entre caos y tradición, innovación y memoria histórica. Es precisamente en esta dualidad que encontramos un puente cultural profundo y significativo”.

¿Qué hace a Akari una experiencia única?

A través del trabajo de más de 20 artistas reconocidos de Japón, México y diversas partes del mundo, como Daito Manabe, Yoshi Sodeoka, Shohei Fujimoto y Akiko Yamashita, Akari utiliza proyecciones inmersivas, inteligencia artificial y gráficos generativos para envolver al visitante en un viaje visual y sensorial.

Cada sala está meticulosamente diseñada para reinterpretar elementos esenciales del arte japonés:

• Minimalismo y Luz: Un paisaje lumínico que evoca armonía visual.

• La Fragilidad de la Naturaleza: Un equilibrio delicado entre tecnología y naturaleza, mostrando cómo ambos pueden coexistir.

• Ola de Sueños: Ilusiones ópticas que desafían la percepción del espectador.

• Japón Inmersivo: Una experiencia envolvente donde la tradición y la vanguardia se encuentran.

• Reverberación de Luz: Un espacio en constante transformación que expande los sentidos.

“Akari es nuestra carta de amor al arte digital japonés, una manera de celebrar y compartir la magia creativa de estos artistas con el mundo”, afirma Gil Castro, director de InSpace.

Una experiencia que rompe fronteras

El arte digital inmersivo, como explica Josué Ibáñez, permite que los espectadores formen parte activa de la obra: “El espectador ya no solo observa, sino que vive el arte desde dentro, transformándose en parte esencial de la pieza”. Este aspecto, sumado al poder disruptivo de la tecnología, convierte a Akari en una experiencia especialmente atractiva para personas de todas las edades y gustos.

Detalles para disfrutar Akari

Ubicación: InSpace, Colonia Narvarte, Ciudad de México

Duración: Aproximadamente 90 minutos

Horarios: Viernes a domingo

Entradas: Disponibles aquí

Akari no es solo una exposición: es un portal. Una experiencia que invita a dejarse llevar por la luz, explorar nuevas formas de ver el mundo y reconectar con lo esencial a través de la tecnología y el arte. ¿Te atreves a cruzarlo?

Para más información, visita www.inspace.one o sigue sus redes sociales en Instagram: @inspace.one.

Cuando Zélika García fundó su primera feria de arte en Monterrey en 2002, pocos imaginaban que su pasión terminaría por transformar la Ciudad de México en uno de los epicentros culturales más dinámicos del mundo. Licenciada en Artes por la Universidad de Monterrey, la promotora comenzó impulsando galerías en el norte de México, para luego presentar Muestra 2 (2003) en la capital, evento que se convirtió en MACO MÉXICO ARTE CONTEMPORÁNEO, hoy conocida como ZⓈONAMACO. Con más de dos décadas de experiencia, también ha expandido su visión al fundar las ferias de diseño (2011), antigüedades (2014), fotografía (2015) y, más recientemente, ABC Art Baja (2023) en Baja California.

Este 2025, ZⓈONAMACO celebra su edición número 21 con la participación de 199 galerías de 27 países y 4 continentes, reafirmándose como la plataforma internacional de arte más grande e influyente de América Latina. Del 5 al 9 de febrero en el Centro Citibanamex, la feria reunirá arte contemporáneo, diseño, fotografía y antigüedades con el propósito de inspirar diálogos, ampliar colecciones y acercar a públicos de todo el mundo al talento emergente y consolidado.

Liderazgo y dirección artística

Zélika García continúa al frente de ZⓈONAMACO con la misma energía que le ha valido reconocimientos internacionales. Su enfoque integral — desde ferias físicas hasta plataformas virtuales — la ha posicionado como un referente en el circuito del arte global. En esta edición, la dirección artística está a cargo de Direlia Lazo (La Habana, 1984), cuyo trabajo curatorial equilibra la tradición e innovación propias de la escena latinoamericana.

“La Ciudad de México está viviendo un momento artístico sin precedentes”, comenta Lazo. “ZⓈONAMACO se enorgullece de liderar este movimiento, uniendo voces diversas y fomentando diálogos que trascienden fronteras”.

Una feria, múltiples expresiones creativas

La convergencia de distintas disciplinas es el sello distintivo de ZⓈONAMACO:

ARTE CONTEMPORÁNEO

Sección General: 132 galerías de África, América, Asia y Europa seleccionadas por un Comité Internacional (Teófilo Cohen, Karen Huber, Lauren Kelly, Ben Loveless y Guilherme Simões de Assis).

SUR: Curada por Manuela Moscoso (Ecuador, 1978), amplía perspectivas sobre el Sur Global, explorando identidad, memoria y comunidad.

ARTE MODERNO: Bajo la mirada de Esteban King (México, 1986), revisita momentos icónicos del siglo XX en el avant-garde latinoamericano e internacional.

EJES: Dirigida por Bernardo Mosqueira (Río de Janeiro, 1988), reflexiona sobre la libertad y los límites contemporáneos.

DISEÑO

Curada por Cecilia León de la Barra (CDMX, 1975), exhibe muebles, joyería y objetos decorativos de producción limitada.

DISEÑO EMERGENTE: Co-curada junto a Joel Escalona (CDMX, 1986) y Jorge Diego Etienne (Tampico, 1983), destaca talento joven e ideas disruptivas.

SALÓN DEL ANTICUARIO

Con la guía de Alfonso Miranda Márquez (CDMX, 1978), exalta tesoros del arte sacro, joyería y mobiliario de valor histórico.

FOTO

Curada por Luis Graham Castillo (República Dominicana, 1982), reúne fotografía documental y conceptual de artistas consolidados y emergentes.

Al abarcar múltiples disciplinas, la feria provoca encuentros e intercambios que enriquecen la experiencia de cada visitante y otorgan mayor visibilidad a las propuestas más diversas.

Reconocimientos para impulsar el talento

Uno de los aspectos más esperados de ZⓈONAMACO 2025 son sus premios, diseñados para promover la innovación, dar proyección internacional y brindar apoyo económico a proyectos notables:

Premio Erarta Foundation: $100,000 USD a la obra elegida por el público como “The Highlight of the Show”.

Premio Tequila 1800 Colección: Se enfoca en artistas emergentes de múltiples disciplinas.

Premio AXA de Arte: Hasta $200,000 MXN para adquirir una obra de mujeres artistas mexicanas que reflexione sobre la “fragilidad”.

Residencias Artísticas Patiño en Villa Albina: Alojamiento, vuelos y apoyo económico para desarrollar proyectos en Bolivia.

Galardón Patiño-Liebsohn: $5,000 USD a una galería con una curaduría que destaque artistas latinoamericanos.

Premio de Residencia Casa Wabi: Estancia en Oaxaca dirigida a creadoras, fomentando conexiones con las comunidades locales.

Fountainhead Arts Residency Prize: Dirigido a un artista de ZⓈONAMACO EJES, con residencia en Miami incluida.

Premio Ling Ling: Destinado a artistas emergentes, implica la creación de una pieza especial exhibida en el restaurante homónimo durante tres meses.

Agenda para toda la ciudad

Con más de 90 instituciones culturales y espacios independientes sumados a su programa, ZⓈONAMACO 2025 amplía el escenario artístico en la Ciudad de México, ofreciendo exposiciones, visitas guiadas, talleres, performances y eventos nocturnos. Museos como el MUAC, Museo Jumex, MUNAL, Museo Tamayo y el Museo del Palacio de Bellas Artes, entre otros, se unen para presentar una cartelera tan extensa como diversa.

ARTSY NIGHTS

El viernes 7 de febrero, ZⓈONAMACO colabora con Dorado para presentar ARTSY NIGHTS en la Sala D de Centro Citibanamex. Encabezada por HONEY DIJON, la fiesta promete un ambiente único que fusiona la música electrónica con el espíritu creativo de la feria. Los boletos están disponibles en mangopase.com y artsynights.net.

Innovación digital: más allá del espacio físico

ZⓈONAMACO, en colaboración con Always Art, continúa expandiendo sus horizontes mediante la Feria Virtual, que brinda herramientas para la gestión de inventarios y la interacción entre galerías y coleccionistas. También ofrece una app móvil para iOS y Android que hace más accesible el registro de obras y el seguimiento de favoritos.

Escaparate editorial

Con la presencia de 29 editoriales y 50 revistas especializadas, la feria muestra su compromiso con la difusión cultural. Libros, catálogos y publicaciones dan testimonio del movimiento artístico que ZⓈONAMACO impulsa, reforzando su rol como referente internacional.

ZⓈONAMACO 2025 representa la fusión entre la visión pionera de Zélika García y la efervescencia artística de la Ciudad de México, situada hoy como uno de los polos culturales más relevantes del mundo. Con sus múltiples secciones, premios y colaboraciones, la feria invita a coleccionistas, creativos y público general a vivir el arte en todas sus expresiones, contribuyendo a fortalecer la escena y a consolidar el talento latinoamericano en el panorama global.

Salón ACME, proyecto creado por Base Proyectos y Archipiélago, celebrará su decimosegunda edición del 6 al 9 de febrero de 2025 en Proyectos Públicos (General Prim 30, Col. Juárez, Ciudad de México), con seis secciones que suman la diversidad y el impulso al arte contemporáneo: Convocatoria, Bodega, Estado, Proyectos, Sala y Patio. A lo largo de cuatro días, este evento buscará reforzar los lazos entre artistas emergentes, curadores, coleccionistas y público en general, reafirmando su reputación como plataforma imprescindible en la Semana del Arte en la Ciudad de México.

Una plataforma creada por artistas para artistas

Desde su fundación en 2013, Salón ACME ha priorizado la difusión de propuestas emergentes, fomentando nuevos públicos y generando diálogos genuinos sobre el arte contemporáneo. De 1,800 aplicaciones recibidas para esta edición, 79 artistas han sido seleccionados para exponer su trabajo. Asimismo, el proyecto integra contribuciones de creadores y curadores consolidados, consolidando un punto de encuentro único para el intercambio de ideas.

Ana Castella: “el arte se consume también viéndolo, no solo comprándolo”.

En una conversación reciente, la Directora de Salón ACME destacó cómo la plataforma, al abrir anualmente su convocatoria, promueve un proceso de formalización del trabajo artístico incluso para quienes no resultan seleccionados:

“Cuando los artistas aplican, formalizan un poco su propio trabajo. A pesar de que no entren, hicieron un esfuerzo de preparación y eso les ayuda bastante. También, cuando ven a los artistas seleccionados, aprenden de sus propuestas. No solo a quienes exponemos les ofrecemos un espacio; realmente es un círculo que permea a toda una comunidad de creadores”.

Además, Ana subrayó la importancia de “comunicar muy bien de qué va el arte” al público, con un cuerpo de ventas y mediación que oriente sobre precios y pagos. El objetivo es fomentar coleccionismo joven y que más personas puedan disfrutar el arte, recordando que “el arte se consume también viéndolo, no solo comprándolo”.

El Consejo Curatorial está conformado por: Fernanda Brenner, Rosario Güiraldes, Helena Lugo, Haydeé Rovirosa y Jose Noé Suro.

Ellos han evaluado las propuestas y elegido a 79 artistas para exhibir sus obras. Este año se introduce el Premio del Salón — otorgado por La Bienal de las Américas en colaboración con RedLine Contemporary Art Center — que consiste en una residencia de 2 a 4 semanas en Colorado.

Ejes Creativos de Salón ACME №12

Patio

En la sección Patio, la artista Julieta Gil (Ciudad de México, 1987) presenta la instalación Milflores, una propuesta que surge a partir de archivos fotográficos y mapeo digital de la vegetación urbana. El proyecto, respaldado por Fomento Cultural BBVA y la Universidad Iberoamericana, explora la hibridez entre espacio natural y virtual a través de documentación multimedia de los recorridos urbanos de Gil.

El proceso creativo combina escaneo y modelado 3D con fallos digitales, subvirtiendo metodologías tradicionales y generando “paisajes que evocan la maleabilidad del tiempo y la memoria”. La instalación opera como un “no-lugar” a medio camino entre un entorno paisajístico y una caverna, invitando al espectador a repensar la relación entre lo físico y lo virtual.

“Las flores que conforman los relieves se modelan digitalmente: más allá de replicar la naturaleza, nos acercan a habitar dimensiones que tal vez no hemos percibido aún”.

En entrevista, Gil enfatiza la importancia de materializar las ideas antes de preocuparse por su exhibición:

“Desarrollar las ideas sin importar si tienen un lugar donde exponer la pieza o no (…) más allá de quién las va a ver o dónde se van a mostrar. Ese es el primer paso”.

Estado: Veracruz

Bajo la curaduría de Rafael Toriz, la exposición Contornos de una barca alucinada reúne a creadoras y creadores veracruzanos como Libertad Alcántara, Per Anderson, Brenda Castillo y Sebastián Fund, entre otros. La muestra evoca un “fandango” que busca plasmar la riqueza plural y diversa de la escena artística de Veracruz.

Bodega: “Yendo de la cama al living”

Curada por Enrique Giner de los Ríos, esta sección reflexiona en torno a la domesticidad, la cotidianidad y la relación performática con los espacios íntimos. Participan 21 artistas, entre ellos Diego Berruecos, Carolina Fusilier y Fabiola Torres-Alzaga.

Proyectos

Un total de 29 cuartos presentan iniciativas especiales de galerías y colectivos, incluyendo nombres como Patricia Conde Galería, Galería Karen Huber, Marchante arte contemporáneo, El Chico, NIXXXON, Artífice, KÖNIG GALERIE, Galería Santa & Cole y varios más. Este mosaico de propuestas enfatiza la diversidad de prácticas y discursos dentro del arte actual.

Sala: “Friction Matters” por Terremoto

Terremoto propone una exploración editorial enfocada en el potencial de la fricción y los choques de ideas, reuniendo proyectos editoriales, libros, publicaciones independientes y carteles que evidencian las tensiones entre lo real, lo poético y lo estético.

International Visitors Program (IVP) y “Constelaciones afectivas”

Desde 2024, Salón ACME y Material colaboran en el International Visitors Program (IVP), dirigido y curado por Anaïs Lepage. Este año, además de invitar a siete curadores internacionales a conocer la escena mexicana, se presenta el programa de conversaciones “Constelaciones Afectivas”, el sábado 8 de febrero a partir de las 10:30 horas en el Museo Tamayo. Las cuatro mesas redondas abordarán temas como la economía de las amistades, las afinidades transgeneracionales feministas y queer, la espiritualidad en relación con lo “más-que-humanos” y las instituciones como comunidades.

Esta iniciativa se ha desarrollado en colaboración con la Universidad de Monterrey y el Centro Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño, con el apoyo de Acción Cultural Española (Pice Movilidad), el IFAL — Embajada de Francia en México y Frame Finland.

Aliados y Sponsors: Fuerzas que transforman la escena del arte emergente

Fomento Cultural BBVA México: clave en el desarrollo del Estudio ACME Guadalajara y apoyo a la pieza de Julieta Gil en Patio.

Don Julio 1942: instalación de Federico Pérez Villoro sobre la recuperación de sistemas de agua.

Volvo: intervención ELECTRIC BLOOOOOM con la artista Laura Elena Garduño.

Alan Sierra x Básicos de México: diseño de bolsas, pañuelos y camisetas conmemorativas de esta 12a Edición.

Proyectos Públicos: anfitrión de Salón ACME desde su primera edición; presenta Trayectos, una ruta cultural que une cinco recintos en la Ciudad de México con arte contemporáneo, literatura, performance y más, mediante recorridos en camión, bicicleta y caminatas guiadas.

Salón ACME №12 reitera su compromiso con la experimentación, la accesibilidad y la construcción de redes de colaboración. En palabras de la directora Ana Castella, este proyecto:

“beneficia no solo a los artistas que exponen, sino también a quienes se preparan para la convocatoria, creando un círculo de aprendizaje y profesionalización que fortalece la escena artística en México y más allá”.

Feria Material, Vol. 11 se llevará a cabo del 6 al 9 de febrero de 2025 en Expo Reforma, Ciudad de México, con la participación de 70 galerías nacionales e internacionales y un programa integral que incluye charlas, performances y espacios de diálogo.

Fundada en 2013 por Brett W. Schultz, Feria Material buscó brindar un espacio para exhibir el arte contemporáneo de manera colaborativa. En 2014, se consolidó como una plataforma independiente que impulsaba la interacción horizontal entre artistas, galeristas y el público. Desde entonces, Material ha crecido con el propósito de

“Explorar nuevas formas de relacionarnos con el arte contemporáneo”, según sus fundadores.

El cofundador Marcos Ruiz comparte que “Material siempre ha sido un proyecto que trasciende el formato tradicional de una feria de arte”. Al principio, la intención fue “crear un espacio fresco y accesible que privilegie el diálogo y la calidad”, y que a la vez fuera “un lugar donde se descubre lo nuevo, se despiertan emociones y se construye una comunidad que valora lo experimental y lo innovador”.

Marcos Ruiz: visión y esencia de Feria Material

Ruiz describe a Material como un espacio que “genera conexiones genuinas entre galerías, artistas, coleccionistas y el público en general”. Hace énfasis en que su meta siempre ha sido mantener el diálogo cercano y generar encuentros significativos.

Resalta que la feria es “fresca y accesible”, permitiendo que la gente se acerque al arte sin barreras, descubriendo propuestas innovadoras y forjando un sentido de comunidad que valora la experimentación.

“Material nació en 2014 con la idea de capturar la energía vibrante de la escena artística de México y el mundo”, señala Ruiz.

Explica que en un principio se buscaba ofrecer un espacio para galerías, colectivos y proyectos independientes que quedaban fuera del radar de grandes eventos. Así, Material se convirtió en una oportunidad para fomentar una comunidad más horizontal y directa.

Ruiz considera que Material es “un espacio más accesible, menos rígido, enfocado en propuestas que muchas veces no tienen cabida en otros eventos”.

Ve a Material como un complemento a otras ferias y subraya que “es el lugar donde se gestan conversaciones importantes sobre el futuro del arte contemporáneo y el público puede tener una experiencia mucho más cercana con las obras y las personas detrás de ellas”.

“Este año estoy especialmente emocionado porque contamos con una gran selección de galerías de toda Latinoamérica”, menciona Ruiz, poniendo de relieve la energía emergente de la región.

Ruiz enfatiza en la experiencia cercana y accesible que ofrece Material: “Es un espacio que invita a vivir el arte de manera diferente”, donde los asistentes pueden encontrar “propuestas emocionantes”, charlas participativas y performances.

Concluye que “siempre habrá algo que te inspire y te haga repensar tu manera de ver el arte contemporáneo”.

Para la 11ª edición, la elección de las galerías ha estado a cargo de: Beatriz López (Instituto de Visión, Bogotá/Nueva York), Christopher Rivera (Embajada, San Juan) y Francisco Cordero-Oceguera (Lodos, Ciudad de México).

Actividades destacadas en Feria Material Vol. 11

Material Monday: El lunes 3 de febrero, 14 galerías presentarán 18 exposiciones distribuidas en 6 colonias de la Ciudad de México. Se ofrecerá un servicio de transporte con asientos limitados, asignados por orden de llegada.

VOCAL, programa de charlas: Diariamente a las 16:00 horas en el Banregio Lounge, con conversaciones entre artistas mexicanxs y coleccionistas que han impulsado sus trayectorias. El acceso está abierto a todo público que asista a la feria; no se requiere registro previo (cupo limitado).

Immaterial, Vol. 8 en el Museo Experimental “El Eco”: Bajo la curaduría de Michelangelo Miccolis, la artista Angela Goh presentará la pieza Body Loss, performance que reflexiona sobre la transformación y la ausencia. Se llevarán a cabo dos presentaciones el viernes 7 de febrero a las 18:00 y 19:30 horas, con entrada libre y aforo limitado.

International Visitors Program: En conjunto con Salón Acme, el sábado 8 de febrero de 10:00 a 17:00 horas en el Museo Tamayo, se congregarán siete profesionales del arte para dialogar sobre prácticas contemporáneas en América Latina y más allá. La entrada es libre para todo público.

Performance de Melanie Smith y Patricio Villareal: El miércoles 5 de febrero, a las 18:00 y 20:00 horas, ambos artistas presentarán Tixinda — marcha por un color, un proyecto interdisciplinario que visibiliza la situación del caracol plicopurpura pansa, fuente de una tinta púrpura utilizada desde tiempos milenarios. El evento tendrá lugar en el Jardín y Pabellón Escénico de la feria.

Concierto de Rolando Hernández y Dmytro Bereziuk: El sábado 8 de febrero, a las 18:00 horas, se ofrecerá el concierto-performance “La tradición es aquello que atraviesa los poros del presente”, un laboratorio sonoro donde convergen la música tradicional de Ucrania y músicos de México.

Durante la inauguración el jueves 6 de febrero, se otorgarán dos reconocimientos:

The Olivia Foundation Prize: Enfocado en destacar a mujeres artistas que trabajan con el lenguaje abstracto, fortaleciendo su visibilidad en el panorama internacional.

The Collé Prize: Un premio de adquisición de obra que celebra el collage como medio plástico y filosofía creativa, otorgado por Collé (plataforma curatorial de la Pardon Collection).

La feria busca “crear una experiencia que vaya más allá de la compra-venta de arte”, promoviendo “un encuentro accesible y dinámico donde todos los actores pueden conectarse de manera directa y genuina”. Así lo define Marcos Ruiz, subrayando que la esencia de Feria Material radica en abrir el panorama del arte contemporáneo y alentar a nuevos públicos a descubrir propuestas e ideas que estén transformando la escena artística.

Del 6 al 9 de febrero de 2025, la feria BADA (Boutique Art Design and Architecture) realizará su 5ta edición en México en el Jardín del Restaurante de Campo Marte (Ciudad de México). El evento estará abierto al público de 11:00 a 20:00 horas de jueves a sábado, y de 11:00 a 17:00 horas el domingo.

BADA se originó en Buenos Aires bajo la dirección de la artista plástica Ana Spinetto, y en 2025 celebrará su 13° edición a nivel global. Llegó a México en 2020 gracias a Leni y Daphne Ibargüengoytia, en colaboración con Spinetto. Su objetivo consiste en ofrecer a artistas consagrados y emergentes un espacio profesional para exponer y vender sus obras directamente al público, sin intermediarios. Para ello, se presentan 10 obras de formato pequeño, con precios mínimos a partir de los $2,500 MXN.

En esta edición, el invitado de honor será Pedro Friedeberg, creador con más de seis décadas de trayectoria y reconocido internacionalmente por obras como la Mano-Silla y La trampa para peces. También participarán artistas como: Ana Aguirre, Fab Ciraolo, Francesca Dalla Benetta, Manuela Durañona, Martín Enricci, Sebastián Fund, Gastón “Gallo” Gallardo, Victoria Porte, Ariosto Rivera, María Fernanda Salinas, Rodrigo Wise y Milo Lockett.

BADA 2025 reunirá diversas disciplinas, incluyendo pintura, escultura, grabado, dibujo, instalación, ilustración, fotografía, cerámica, arte digital, arte textil y otras expresiones que aportan diversidad a la feria.

Por primera vez en su historia, la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la UNAM tendrá presencia en BADA con el trabajo de nueve jóvenes artistas: Alexa Michelle Maya Rivera, Carlos Becerra Juárez, David Alejandro Pérez Ariza, Dira Vianney Zavala Larios, Dylan Yahir Nava Rivera, Efrén Isaín Santamaría Romero, Emiliano Zahir Araiza Córdoba, Natalia Jimena Zarate Gutiérrez y Nicol Salazar Rodríguez.

La FAD, con 243 años de tradición, se ha consolidado como un referente en la formación de profesionales de las artes plásticas y el diseño, y en esta edición busca impulsar el talento emergente al conectarlo con el público y el mercado del arte contemporáneo.

Proyectos y plataformas en BADA

Banco Azteca, “Arte para todos”: En la cuarta edición de esta iniciativa, se ofrecerá un stand sin costo a cinco artistas emergentes elegides a través de la convocatoria “Apoyar nos toca”. El propósito es fomentar la democratización del arte y la inclusión de nuevos talentos.

Ícaro: Plataforma de emprendimiento para industrias creativas desarrollada por Arte & Cultura del Centro Ricardo B. Salinas Pliego, en conjunto con Banco Azteca y Design Week México. Participará en BADA como parte de sus beneficios para artistas, brindando mayor visibilidad y oportunidades de posicionamiento.

Colectiva Cromática por Ibero Diseño: Tienda de diseño que exhibirá postales ilustradas, libros de cuentos, juegos educativos, productos de diseño y piezas decorativas inspiradas en colecciones de museo.

Mi Valedor: Proyecto de inclusión que trabaja con personas en situación de calle mediante talleres de expresión plástica. Sus autores explicarán y venderán sus obras durante la feria.

La oferta culinaria incluirá varias opciones:

Bacardí: Presentación de mixología con la presencia de muralistas trabajando en vivo.

La Cabrera: Restaurante argentino que exhibirá su selección de carnes a la parrilla.

La Cuina: Espacio de los chefs Fernanda Prado y Xano Sauger, con propuestas que fusionan técnica y sabor.

Sepia: Restaurante italiano del chef Julián Martínez, caracterizado por ingredientes sostenibles de origen local.

BADA presentará una amplia variedad de obras artísticas y propuestas culinarias, facilitando el contacto directo entre creadores y público interesado en el arte contemporáneo. Les visitantes encontrarán distintos rangos de precios y disciplinas, así como espacios de formación y reflexión en torno a las tendencias y perspectivas actuales del arte.

El diseño transforma realidades y Design Week Mexico 2024 es la prueba de ello.

Desde el 7 de octubre hasta el 3 de noviembre, la Ciudad de México se convierte en el escenario del diseño más vanguardista con la 16a edición de Design Week Mexico, con el lema “Diseñando el futuro”. Creado por Andrea Cesarman, Marco Coello y Emilio Cabrero, este evento reúne a los talentos más innovadores del país y del mundo para presentar soluciones creativas a los desafíos contemporáneos. Con la participación de Colombia como país invitado y Aguascalientes como estado invitado, se abre un diálogo único entre tradición, modernidad y colaboración cultural.

Design Week no solo celebra la estética, sino que impulsa la reflexión sobre cómo el diseño puede transformar comunidades, colaborar con la artesanía local y generar un impacto real. Este evento no es sólo una vitrina para el talento emergente y consagrado, sino una oportunidad para cuestionar, explorar y reinventar los caminos hacia un futuro más sostenible. Como bien lo expresan sus organizadores,

“el diseño del futuro implica colaboración, comunidad y un enfoque pragmático hacia los problemas actuales”.

Esta edición subraya la importancia de un diseño responsable y consciente, necesario para abordar las crisis medioambientales y sociales que enfrentamos.

Lo que no te puedes perder:

Design House (9 de octubre — 3 de noviembre): Los despachos más renombrados del país han reimaginado una casa completa en Lomas de Chapultepec. Una experiencia inmersiva en arquitectura y diseño de interiores que marca tendencia.

Inédito (7 de octubre — 15 de enero 2025): Piezas de diseño utilitario y arte objeto nunca antes vistas en el Espacio CDMX, una plataforma para la innovación y el talento emergente.

Visión y Tradición (8 de octubre — 3 de noviembre): Un emocionante encuentro entre diseñadores y artesanos de Colombia y Aguascalientes en el Museo Nacional de Antropología.

Design Week Mexico 2024 es un espacio para quienes buscan inspiración, innovación y una visión renovada del diseño. Sé parte de esta evolución creativa. Visita designweekmexico.com y descubre cómo el diseño puede cambiar tu forma de ver el mundo.

En los primeros días del mes de febrero, la efervescencia artística llega a la Ciudad de México con un evento que cautiva a les amantes del diseño, el arte y la creatividad: la Semana del Arte.

Durante esta semana, les apasionades del arte se congregan para teñir la ciudad con expresiones vanguardistas. Exposiciones, conferencias, recorridos y performances, la Semana del Arte es un festín para los sentidos y una ventana a las últimas tendencias y proyectos que están dando forma al mundo creativo.

Aquí te dejamos las cinco ferias que son un must en la Semana del Arte 2024:

1. ZONAMACO

Asiste a una de las ferias de arte más grandes de Latinoamérica y conoce a artistas, coleccionistas, curadores y apasionades por el diseño y el arte. En ZONAMACO podrás encontrar piezas de archivo, obras de arte contemporáneo, proyectos editoriales y piezas de diseño objeto y textil de creatives emergentes.

2. Siempre Sí

Con una iniciativa que honra e impulsa el arte y diseño hecho en México, Siempre Sí ofrece una selección de piezas de 14 artistas y diseñadores locales además de un stand donde podrás comer unos de los mejores tacos de la ciudad preparados por Maizajo.

3. Salón ACME

Enfocado en el arte contemporáneo y emergente a nivel internacional, Salón ACME busca acercar el arte a nuevos públicos. En esta edición, podrás conocer a artistas, curadores y coleccionistas de diferentes partes del mundo.

4. BADA México

Conecta con artistas consagrados y emergentes y adquiere obras de arte de una manera fácil y directa. BADA México busca revolucionar el mercado del arte facilitando espacios en los que les artistas y el público puedan conectar y desarrollar una relación más allá de la compra.

5. Material Art Fair

En su aniversario número 10, Material contará con galerías presentadas por artistas mexicanes y de todo el mundo. Además ofrecerán proyecciones, charlas y otras actividades imperdibles para les amantes del arte contemporáneo.

Toma en cuenta que cada feria cuenta con una fecha, itinerario, locaciones y costos de entrada distintos. ¡Checa las que más te gusten, rodéate de arte y diseño por una semana y, lo más importante, stay inspired!

Su viralidad en TikTok, con más de mil millones de visualizaciones, la posiciona como un fenómeno de comunicación visual. La visión de figuras como Lana del Rey y Taylor Swift combinada con referentes cinematográficos como Natalie Portman en Black Swan (Dir. Darren Aronofsky) y Kirsten Dunst en Marie Antoinette (Dir. Sofia Coppola) sientan las bases de esta expresión estética que adora la nostalgia y desafía las normas de género.

Desde moños de muñeca hasta ligueros, pasando por los atemporales Mary Janes, la Coquette Aesthetic redefine la feminidad. Creadoras como Ana Harrison y Romney Ellen descontextualizan prendas, infundiendo nueva vida y creatividad en elementos visuales que siempre encuentran el camino de regreso a nuestros ojos. Este movimiento no solo influye en la moda, sino que también deja su huella en el diseño de interiores, remembrando atmósferas victorianas que viven en la liminalidad de lo exquisito y lo seductor.

La performatividad de la feminidad en esta estética desafía las expectativas de género. Pup Puppy describe esta tendencia como un performance de la feminidad. Esta expresión visual va más allá de la elección estética, es un desafío visual a las normas preexistentes.

La Coquette Aesthetic, lejos de ser una tendencia pasajera, se establece como un referente visual en constante evolución. Desde sus raíces en la moda victoriana y el rococó hasta su influencia en las plataformas digitales de nuestros días, este fenómeno cultural deja su marca no solo en la moda, sino también en la comunicación visual contemporánea. ¡Bienvenides a la era encantadora de la Coquette Aesthetic, donde la expresión cultural y el diseño visual convergen en un diálogo vibrante que trasciende el tiempo y el estilo!

A unos días de su comienzo Design Week México está ON FIRE!

Desde su creación, ha sido el epicentro donde convergen lxs líderes en el mundo del diseño, sirviendo como plataforma para exhibir y difundir nuevas ideas, tendencias y talento emergente. A lo largo de su trayectoria, la Design Week ha brillado por su habilidad para inspirar, conectar y fomentar la colaboración entre diseñadorxs, arquitectxs, creativxs y apasionadxs del diseño.

Este año celebran su decimoquinta edición con una experiencia única llena de eventos, exposiciones y actividades que destacarán el poder transformador del diseño. Desde conferencias magistrales y talleres interactivos, hasta exhibiciones innovadoras y lanzamientos exclusivos, habrá algo para todxs lxs amantes del diseño.

Sin lugar a dudas, la Design Week México es un must en tu lista de cosas por hacer este otoño. Sumérgete en la creatividad, innovación y pasión que define a este evento único.

Encuentra más información sobre la Design Week México 2023 en su sitio oficial.